原创音乐生态前所未有地蓬勃丰富

“诗言志，歌咏言。”心有所感而发乎声，是音乐艺术的发生学，也是数千年来中国民间音乐生生不息、蔚为大观的基本逻辑。

今天，互联网条件下新大众文艺蓬勃发展，“自己写、自己唱、唱自己”的古老梦想化作现实。普通人写一首小诗，用智能助手编曲配器，还可以请数字歌手高水平演唱……新工具新媒介让时代新声无远弗届，音乐新业态也为唱响“中国好声音”注入澎湃动能。

本版特邀音乐界人士，共话技术赋能下的音乐创作如何密切与人民、与生活的联系，推出属于这个时代的精品佳作，铸就新的艺术高峰。

——编  者

让产业繁荣惠及更多创作者

韩新安

由中央宣传部文艺局、中国音乐家协会等主办的“听见中国听见你”中国原创音乐盛典演出现场。资料图片

新大众文艺蓬勃发展，正给中国音乐带来一场深刻变革，为音乐产业提质增效、生态优化注入强劲动力，也为音乐事业高质量发展开辟空间。

互联网条件下的音乐最鲜明的特点是传播方式社交化。它重构了作品与受众的连接，让音乐不再只是“听”的艺术，而是“看+听+互动”的复合体验。老歌会通过网友的二创再次流行，新歌也可以凭借一段旋律实现影响力的裂变。比如最近走红的歌曲《目瑙纵歌》，将传统民族元素融入短视频这一现代传播方式，点击量惊人。这首歌曲以景颇族民歌为基底，用五声音阶构建朗朗上口的旋律，节奏铿锵，鲜明有力，副歌部分也深具感染力。同时，视频中保留了“铓锣”“火塘”“黑齿红唇”等颇具民族生活气息的意象，让年轻人大呼民族元素“很酷”。人们在音乐中听到了自豪、乐观和对生活的热爱，这种情感连接也是破圈的关键。

在文旅融合的背景下，传播方式社交化也将进一步拓展音乐产业版图。比如开展“跟着民歌去旅行”“非遗音乐地图”等线下活动，让音乐成为拉动消费、激活经济的新引擎，线上线下双向联动。

随着科技的发展，更多普通人参与到音乐创作中，AI编曲、虚拟演出等技术帮助传统音乐突破原生载体的限制，展现更多样态。社交平台上，有人用空间音频技术还原侗族大歌的多声部合唱现场，有人通过数字人技术让古老乐舞“活”起来。新技术丰富了音乐创新的维度，它并没有替代传统，只是取代了平庸。

新大众文艺让内容供给的“金字塔基底”不断扩大，原创音乐生态前所未有地蓬勃丰富，产业发展的根基更加牢固。推动新大众文艺发展，更需要正确理解“人民性”与“艺术性”的辩证关系。代表人民不能简单等同于流量正义，算法推荐的“信息茧房”也会制造出虚假共识。真正的人民性，应当既包含大众的即时反馈，也包含对人民精神需求的深层引领。我们必须坚定，流量与艺术价值并非对立，创作者要守住创作初心，相信人们的审美成长性，在“接地气”与“提品质”之间寻找最大公约数。《黄河大合唱》当年也是大众文艺，因艺术高度而成为经典。

新大众文艺不是对专业性的消解，而是为音乐发展打开更广阔的空间。面向未来，好的音乐作品一定要平衡好大众参与和艺术品质、算法逻辑和原创价值、产业效益和创作者回报之间的关系，让产业繁荣惠及更多创作者，推动中国音乐行稳致远。

（作者为中国音乐家协会原分党组书记）

好生态托举好作品

金兆钧

由中央宣传部文艺局、中国音乐家协会等主办的“听见中国听见你”中国原创音乐盛典海报。资料图片

歌曲是音乐门类中最接近大众的一种形式，从创作、表演到传播以及社会接受都是如此。近年来，总能听到人们抱怨，每天问世的歌曲成千上万，但好歌太少了。我在20年前就说过，“中国歌坛从来不缺好嗓子，缺的是好作品。”时至今日，好作品仍然是检验音乐生态的根本标准。

好歌不会凭空而来，它深植于人民、孕育于时代。回看历史，最早的音乐就来自民间的自发性创作。鲁迅先生曾生动地说：“假如那时大家抬木头，都觉得吃力了，却想不到发表，其中有一个叫道‘杭育杭育’，那么，这就是创作。”这揭示了艺术最朴素的本质：源于民间、生于劳动、发自心声。上世纪30年代民族危亡之际，全国涌现出两三千首抗战救亡的歌曲，不仅有聂耳、冼星海等专业音乐家的创作，更有大量教师、学生、军人等非专业人士所写，《没有共产党就没有新中国》《松花江上》《大刀进行曲》等作品成为经典并传唱至今。同一时代，音乐人王洛宾采集了民歌，通过歌词的译配和曲调的加工，创作了《在那遥远的地方》《青春舞曲》《达坂城的姑娘》等一大批优秀的民族歌曲。上世纪五六十年代的《革命歌曲大家唱》等歌集，同样可以看到当时历史背景下的大众心声。80年代的“西北风”，90年代的“新生代”歌潮，也显示出改革开放时期大众歌曲的优秀成果。历史反复证明：好歌从来都是时代之声、人民之歌。

在自媒体时代，创作发表的门槛进一步降低，加上技术的快速迭代，新歌量产成为常态。好作品越来越少吗？并非如此，但目前的市场占比少却是事实，其主要原因是追逐流量的商业逻辑深度介入，加之高标准的评价体系相对弱化。

音乐生态的变迁是必然的，但培养却是需要“反熵”、需要走向有序的。事实上，我们可以看到近年来音乐领域很多积极的动态：音乐知识产权保护的力度显著加强，中华民族音乐文化资源得到有效挖掘，用国际化手段制作“中国风”音乐已经成为越来越多年轻人的共识……凡此种种，我们没必要妄自菲薄，也不能固步自封。

40年前，献给国际和平年的《让世界充满爱》百名歌星演唱会，宣告了中国当代大众音乐的崛起。40年后，新星出现了，新人诞生了，新锐力量成长了，我们有理由相信“明天会更好”。

（作者为《人民音乐》杂志原主编）

旋律从土地里长出来

舒 楠

舒楠作曲的歌曲《天海一心》MV剧照。资料图片

过去两三年，我们能直观感受到音乐生态的变化，类型更加丰富，面貌也更有新特色。印象深刻的是，2024年我在四川省原创歌曲大赛做评委时，听到了一首儿童歌曲《问月》。当时就觉得好，无论是意象、表现力还是音乐形式，都有别于一般的儿歌，有强烈的民族特点，让人听了很振奋。点评时我说这首歌可以推荐给央视春晚，后来它以《玉盘》为名真的登上了春晚舞台，一夜之间红遍全国。这说明，形式上敢创新、精神上有特质的好音乐，最终是能穿透壁垒、抵达大众的。时代赋予创作者这样的底气。

AI（人工智能）降低了创作门槛，但要想挑战那些专业性很高的创作，它还有很长一段路要走。创作和审美是人类智慧的体现。有人说，未来的分工可能是这样的：音乐人负责审美、挑选、判断，负责智慧的结晶，而具体的技术性工作可以交给AI。确实，专业作曲家的审美判断力——知道什么是好的、什么值得留下来，难以被取代。

当下是音乐变革的时代，越是这样的时候，越需要风物长宜放眼量。工业革命以前，交响乐、管弦乐的种类和曲目有限，贝多芬的音乐在当时已经算是振聋发聩了。工业革命之后，有了电，有了音箱、扩音器，摇滚乐对耳膜的冲击达到了新的量级。而现在AI可以模拟大自然的声音、宇宙的声音，甚至人类从未听过的声音。年轻人的视野比我们开阔得多，但问题也随之而来，那就是专注力的缺失。如何通百艺而精于一，如何在琳琅满目中找到自己的着力点，是摆在年轻音乐人面前的难题。

很多从美国、从欧洲留学回来的年轻音乐人，都表达了这样的共识：我们国家的民族音乐是一个巨大的宝库。去年纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利80周年招待会，我担任音乐总监，其中一个作品用钢琴协奏曲与古筝来表现黄河的壮阔，效果非常好，让在场的外国嘉宾耳目一新。他们没想到古筝作为一件民族乐器，能有如此强大的表现力，可以与“器乐之王”钢琴相媲美。深入挖掘民族音乐宝库，就是我们文化自信日益坚定的体现。

延安文艺座谈会以来，文艺为人民服务是我们一以贯之的宗旨。现在各地“村超”“村晚”尤为活跃，人民群众对新大众文艺的喜爱有目共睹。面对这样的文化需求，音乐工作者最需要做的就是拿出更多接地气的作品。旋律从土地里长出来，歌里有人民的心声。这么多年的创作经历告诉我，到生活现场去观察、去体验，到人民中间去采风、去感受，得到的养分是任何算法都无法算出的。《不忘初心》《新的天地》《灯火里的中国》，我的一首首歌曲都是在深入生活中获得灵感，也都因为与社会大众心心相印而广为流传。从人民中来，到人民中去，这是永远要践行的理念，也是我对音乐未来的信心所在。

（作者为中国文艺志愿者协会副主席、北京电影学院教授）

音乐的本质不曾改变

小 柯

小柯制作的音乐剧《深处》剧照。资料图片

我经历过音乐行业几次大的转型。早年，听歌是要经过电台编辑、导演、音乐节目制作人筛选的，他们不选、不播，听众就听不到。到了2002年前后，互联网时代开启，听众一下子有了选择权，可以在网上自己找爱听的歌。从因为筛选而听到，变成因为喜欢而听到，这是收听权的改变。现在，AI（人工智能）来了，创作端也被解放了，它让每个人都可以写歌。以前是“听到一首歌很开心”，现在变成了“我写了一首歌，你看我多棒”，大众参与音乐的广度和深度都变了。

我自己也尝试使用AI，但有一个原则，词曲绝不用AI生成，因为它们是音乐里最重要的主体。我一般是自己作词、作曲，让AI帮我把想象中的旋律唱出来，听完我再修改。最近我在创作自己的第一部歌剧《最后的爱人》，类似花腔女高音的部分，AI可以轻松唱出我脑海里的样子，省去了我约专业歌手进棚录小样，反复调整、反复录音的流程，极大提高了创作效率。

有时候，我也把AI当作一面镜子。它编的曲子代表着世界上最通用的写法、最常规的套路，我就刻意避开它，换一种风格写。从创作逻辑上看，人类写音乐是从微观到宏观，用一个个音符组成旋律、和声，最后连成完整的曲子；AI则是从宏观入手，根据用户给的要求分析频谱，生成一种“氛围”。它到不了微观，到不了音符，常常是“糊”在一起。一首好听的歌曲一定有干净的音色，人声的呼吸和咬字之间有天然的“瑕疵”，但AI目前还没有达到这一标准。

上世纪90年代，一年发行量不过几十张唱片，几百首新歌，能被大家记住的也就二三十首。而今，新歌的数量爆炸性地增长，但被大家记住的，并不会增长太多，因为音乐的本质没有改变——用音符去感动人，而感动的前提是创作者自己得真诚。剖析那些被大家记住的流行歌曲就会发现，首先是感动了创作者自己，然后才能感动别人，让更多人从中找到共鸣。

当然，艺术有横向与纵向两种价值：横向上，一首歌推出后有多少人喜欢；纵向上，几十年、上百年之后，还有没有人喜欢。莫扎特生活的时代，也许有人比他“火”，但几百年过去了，那些人的名字消失了，莫扎特还在。倘若想要纵向价值，那就要有自觉的审美追求，并且对自己的审美负责，而不是轻易妥协。

如今，技术赋能之下，有更多普通人出于热爱参与到音乐创作中来，这是好事。参与的人越多，方向越多元，才会簇拥着优秀作品出现。听众也在成长，他们的艺术素养、审美水平提升得非常快，音乐市场在持续迭代。更何况，从更开阔的视野来看，华语音乐的潜力还远远没有开发殆尽。比如，音乐本身依托于语言文化，不同地方的语音语调会形成不同的音乐特色，这方面的音乐创作就还有很大空间，亟须更新鲜、更有活力的作品。

对于越来越多进入音乐领域的年轻人，我想说：天赋、学习、练习，缺一不可。而且还要分清，你追求的是音乐本身的感动，还是音乐带来的名利。做音乐和当明星、当网红是两回事。做音乐最终要靠作品说话，用作品记录我们时代一颗颗真诚的心灵。

（作者为音乐制作人，胡妍妍、朱婧采访整理）

在生活里走着 歌声就不会停

海来阿木

歌唱演员海来阿木演出照片。资料图片

我写过一首歌，叫《嘉禾望岗》，初衷很简单——在广州打拼的日子，许多次站在人潮奔涌的地铁站，面对离别与选择，有感而发。

来到广州之前，我开过酒吧，开过货车，尝过颠沛流离的苦涩。后来，我揣着一把吉他和那个看似遥不可及的音乐梦想，一头扎进了这座城市，每天像个陀螺一样奔波，唯独走到嘉禾望岗站时，心里总会涌起一种特别的滋味。那个站台很奇妙，往北是飞向远方的机场，往南是踏上归途的火车站。我站在那里，看着形形色色的人：有人拖着行李箱，神色匆匆地赶飞机，有人背着包刚下火车，脸上写满了期待。

那一刻我意识到，每个普通人的故事里，或许都有一个“嘉禾望岗时刻”。留下还是离开？咬牙坚持还是另谋出路？我把这种复杂的情绪记录下来，唱给那些同样在打拼、在漂泊、在不得不说“再见”的人听。也是在广州的几年，我深刻体会到，真正打动人心的歌曲，是从生活里长出来的。你经历过什么，感受过什么，只要用最真实的情感和真诚的态度去写，就一定会有懂的人。相比于门槛较高的专业创作，大众音乐由大众创作，没有固定模式，就是用大家听得懂、有共鸣的方式，去记录这个时代里平凡朴素的生命故事。

生活中的喜怒哀乐就是音乐的根。比如《不如见一面》，“想见却见不到”的遗憾，人们都经历过，所以我写出来，大家就觉得“你懂我”。音乐不是用来炫技的，而是与听众的一场对话。像《三生三幸》，写夫妻间的陪伴和承诺，还有《梦底》，很多观众说初听是爱情，再听是亲情，最后照见自己，每一层都是普通人的情感投射，我只是尽力去捕捉和表达而已。

重要的是，能够传唱。新大众文艺里的音乐，应该是人人听得懂、唱得开的，无论是在繁华商圈还是老街小巷，都能被大家随口哼出来。这并不是降低水准，而是让音乐真正走进生活。只要你站在生活的光影里，去观察普通人、抒写普通人，大家就一定会与你合唱。

我是彝族的孩子，一直尝试用音乐语言呈现民族文化，比如把口弦、彝语和流行元素融合，创作既有根脉又有时代感的作品。最近推出的《不如见一面2026》《童年纸飞机》，反响就不错，但这只是开始，我还计划去聆听和学习更多的民族音乐。我更想记录时代发展。现代科技和大国重器正影响着每个人，我的家乡大凉山能看到火箭发射，有锦屏地下实验室，我想把这些宏大的科技意象写进歌里，写背后的人，写他们的梦想与坚守。

一切想法，都要回到生活。生命的交响，鲜活的故事，值得被唱出来。在生活里走着，歌声就不会停。

（作者为歌唱演员，本报记者姜晓丹采访整理）

守护创作的初心

张 萌

新大众文艺的一个重要特质，是创作主体的结构性变革。在音乐领域，不同于传统的艺术音乐创作、唱片工业体系下的音乐生产，来自各行各业的大众创作者最珍贵的品质便是贴近生活。他们对真实生活的感受力，以及未被工业体系“格式化”的情感表达，具有打动人心的力量。“这首歌写的就是我”的深度情感连接，也吸引着大批听众。

与此同时，来自普通大众的音乐创作也面临着多重挑战。他们往往有真切的生活感受，却缺乏将其转化为高品质音乐语言的能力；有打磨完成的作品，却难以触达真正需要它的听众；有满腔的创作热情，却在残酷的商业逻辑下难以为继。特别是在注意力稀缺的时代，一些精心创作的歌曲有时竟追不上批量生产的情绪“快消品”。一首爆火歌曲，其推出时制作公司可能同批次生产了大量风格相同的作品，凭借“走量”的营销策略，仅仅一首歌走红的收益就可以覆盖其他歌曲的成本。内容的冗余，导致真正走心的作品“能见度”降低。

在音乐传播接受过程中，唯数据论的评价标准盛行，值得我们警惕。大多数平台的扶持体系都以播放量、粉丝增长、互动数据为关键指标，这套看似“数据面前人人平等”的规则，让创作者被迫把精力投向运营、人设包装与流量博弈，那些沉下心来深耕内容的人，反而被边缘化。另外，人工智能的无门槛创作，也会加剧音乐产品的同质化，消解音乐中最珍贵的个体生命内核。通过近几年的流行歌曲榜单就可以看出，风格雷同的作品不少。

我们要清醒地看到，无论技术多么先进，音乐的情感内核与艺术判断都应该牢牢掌握在创作者手中。我们需要为优质创作提供更好的生长条件和更多被听见的机会，让创作者有获得感，有持续书写真实的、有个性的、源于自己生命经验的音乐的动力。尊重差异、保护原创，才有健康的音乐生态。我们不能用生产“洗脑神曲”的逻辑去培育大众音乐，也不能将“破圈”“爆款”作为唯一的追求。唯有回归创作的真诚，用技术解决专业的障碍，用纯粹守护创作的初心，才能让大众创造的种子破土而出，最终成长为能够代表当代中国艺术高度的文化景观。

（作者为中国文联音乐艺术中心副主任）
来源于：人民日报